Sorprendente este Aragón musiquero. Suena una canción como ‘Misericordia’ y ¿quién puede decir que ha salido de una caravana plantada en medio del campo aragonés y no de una bucólica campiña inglesa o de una pradera apalachiana?

Pues, en efecto, ha salido de la sequera de la ‘campiña aragonesa’, de una vieja caravana de 1983, con algunos micrófonos y un ordenador, que el otrora motor de El Bosque, Alfonso Casasnovas, plantó en diversos lugares como San Juan de Plan, el Moncayo… y hasta en un pueblecito de Guadalajara, Armallones, y por la que, como si de un cónclave hippy se tratara, fueron pasando más de media docena de músicos hasta dar con las canciones que luego se grabaron en el Laboratorio Audiovisual de Zaragoza, dando lugar a esta Bandada Marina y a un disco bucólico y folky, impropio de la sequedad de esta tierra pero signo inequívoco de la gran variedad de guisos sonoros que por aquí se han cocinado y se siguen cocinando.

Casasnovas ha ideado esta nueva agrupación con un plantel de músicos en el que aparece su buen amigo y, en tiempos, compinche en E.B.A., Alan Boguslawsky (¡salud!, un placer tener noticias del amigo mexicano), pero también el violinista Jaime Lapeña, Gran Bob o el batería Laurent Castagnet. Y así, con ellos, y con las voces femeninas de Piluka Casasnovas, los bongos de Dani Clemente…, coros femeninos y hasta voces de  niños, y sonando toda una rica variedad de instrumentos -violines, guitarras, bajos, acordeones, clarinetes, djembés, guitarros, armónicas, txalapartas, chicotenes… - se han alentado las catorce canciones que configuran este sorprendente disco, entre el folk, el pop, el rock y el country, entre acústico y eléctrico, sencillamente delicioso.

Con permiso de su autor, Alfonso Casasnovas, pongo aquí una de las canciones del disco, esta trotona y festiva ‘Primavera’, con cierto punto melancólico, gallos, voces infantiles, acordeón, violines, armónica, coros…, un canto campestre bonito de verdad.

bandada-marina-primavera

Decían en la entrada anterior The Raveonettes que son ‘románticos empedernidos’, y seguramente que por ello encajan entre el ruido de las guitarras distorsionadas esas  melodías tan limpias que encajan, cuando no declinan desde el nominativo al ablativo absoluto maravillosas gemas como el ‘Just Like Honey’, de Jesus & Mary Chain.

¿Se ha perdido el romanticismo en el pop y, en general, en el rock? ¿Por qué los grupos más actuales y más jóvenes cultivan con cuentagotas esa otra faceta del pop tan bella y tan emocional como la de la balada, algo que hasta en las mismas huestes heavies tiene gran crédito?

Quizá sea una percepción mía falsa, pero echo en falta este género musical en los tiempos actuales, practicado con rotundidad y embeleso. Algo así como, por ejemplo, hacía Morrissey en una de mis canciones favoritas, en aquel ‘Everyday Day Is Like Sunday’, una pieza incluida en su álbum de debut en solitario, ‘Viva Hate’ (1988), tras acabar con The Smiths.

La canción, pese al ritmo casi desfilante de la batería y la gruesa presencia del bajo, pero matizada con el ropaje de las cuerdas y sintetizadores, encierra una melancolía que traspasa. ‘Bigmouth’ habla de la monotonía en una ciudad cualquiera de Inglaterra, y en realidad de cualquier ciudad del mundo. “Monotonía de lluvia tras los cristales”, que diría el poeta, traspasada a las vidas de muchas gentes que ven discurrir los días de forma gris, tal que esos tristes domingos ingleses en los vacíos ‘downtown’, o centros de las ciudades, como él canta:

“Hide on the promenade / etch a postcard / how I dearly wish I was not here / in the seaside town / that they forgot to bomb / come, come, come nuclear bomb / everyday is like sunday / everyday is silent and grey” (Escondido en la rambla escribí una postal / cómo desearía tanto no estar en este lugar / en la única ciudad al lado del mar / que olvidaron bombardear / ven, ven, ven bomba nuclear / pareciera que todos los días son como el domingo / todos los días son silenciosos y grises).

Una canción de añoranza y melancolía, de búsqueda de un rayo de optimismo y alegría, aunque, metafóricamente, Morrissey use el estallido de una bomba nuclear, que hoy traigo al blog para deleite personal y para pediros que marquéis canciones similares, cargadas de romanticismo y melancolía. Desde Elvis, las hay a cienes, claro.

En diciembre pasado le dediqué una entrada a The Raveonettes, a raíz de la publicación de su quinto álbum -cuarto en realidad, dado que el primero era un mini LP- y os comentaba quién era y de dónde venía este dúo. Todo cuanto os contaba entonces sobre sus canciones lo podéis comprobar hoy en directo en la sala Oasis, de Zaragoza, donde actúa, después de haber vendido todo el aforo para su actuación de esta noche en Madrid. Los daneses, en casa, guauuuu….. Concierto recomendabilísimo.

El pasado vienes publiqué una entrevista con ellos en el Muévete que os transcribo entera. Quienes disfruten con las melodías diáfanas y los sonidos de guitarra distorsionada, ya saben, que aquí tienen buen tajo. Vamos pues.

Por primera vez, el dúo danés The Raveonettes, formado por el guitarrista Sune Rose Wagner y la cantante Sharin Foo, viene a Zaragoza (a la sala Oasis) a mostrar sus canciones y sus genes musicales. Trae un disco nuevo, ‘In And Out Of Control’, el quinto de su trayectoria, en el que, como en los anteriores, se transparenta esa cadena genética sonora que empieza en Buddy Holly, pasa por The Ronettes, Supremes, la Velvet, Suicide y Sonic Youth y acaba en Jesus And Mary Chain… ¿O es un cliché? “No lo sé ni me importa. Hacemos nuestra música y estamos muy orgullosos de ella”, responde por correo informático, escuetamente y casi de forma altiva, Sune Rose.

En todo caso, ¿cómo se os ocurrió hacer el tipo de música que hacéis?

Es una música que estaba olvidada en el mundo, perdida, imagino. Me gusta lo que hacemos y progresar como banda.

El diseño de las primeras carpetas de vuestros discos, con ese imaginario cinematográfico de los cincuenta, ¿añade cierto sentimiento de nostalgia a The Raveonettes?

Totalmente. Es la fuerza que mueve a la banda, pero no una nostalgia meramente por los 50’s o los 60’s, sino una nostalgia enraizada en nuestras observaciones y experiencias personales.

Tú, Sune, curiosamente, te lanzaste al mundo musical a raíz de un concierto que viste en la televisión de Dire Straits…, muy lejanos a lo que hacéis…

Vi a Mark Knopfler tocar la guitarra y eso me llevó a hacer lo mismo. Siempre he admirado su manera de tocar con el menor número de notas, produciendo, sin embargo, una gran emoción. Bob Dylan me aportó la manera de escribir las canciones.

¿Y cómo os conocisteis tú  y Sharin y decidistéis formar el dúo?

Nos conocimos en Copenhague a través de unos amigos comunes. Toqué ‘Whip It On’ [las canciones de su primer disco] a Sharin y le gustó tanto que formamos el dúo.

Lo complicado debe ser ahora, viviendo tú en Nueva York y ella en Los Angeles…

Sí, no solo es complicado sino muy irritante.

¿Es cierto que cuando entrasteis a grabar vuestro primer disco, impusiste una serie de normas insaltables?

Cierto. Nada de platillos, ni ‘hi hat’ en la batería, canciones cortas, tres acordes, todas las canciones en la misma clave…

Después, sin embargo, esas normas se flexibilizaron. En el tercer álbum, ‘Pretty In Black’, cambiastéis el sonido, dirigiéndolo hacia la ‘high school music’ y el ‘pop-soul’ de la Tamla…

Es cierto. Nos gusta intentarlo con cosas diferentes, nos gustan mucho otras músicas distintas.

Ensayasteis en el mítico CBGB, habéis tenido como invitados en vuestros discos al productor Richard Gotthered y a prestigiosos intérpretes como Moe Tucker, Martin Rev y Ronnie Spector… un pequeño bocado de historia del rock dentro de The Raveonettes…

Sí. Nos gusta explorar la historia del rock, es interesante y divertida.

En vuestro nuevo álbum el efecto, digamos, ‘Just Like Honey’, ha vuelto a aparecer sensiblemente. Hablo de una canción preciosa como ‘Wine’…

Tienes razón, ¡es una muy bonita canción!

Sin embargo, no se olvida la rabia ‘noisy pop’ a través de ‘Break Up Girls’… ¿Qué significa, por cierto, ese grito?

Es una canción sobre la violencia de género contra las mujeres.

‘Last Dance’ es otra de las canciones más bonitas del álbum. ¿Sois más románticos que chicos traviesos?

Somos perdidamente románticos.

Esas canciones, imagino que sonarán en vuestro concierto de Zaragoza. ¿Cómo será?

Explosivo y loco

¿Sabes, por cierto, cómo va Sharin con su devoción por la música hindú?

Sigue en ello.

Y, por cierto, y para finalizar, esto sí que es cliché, pero no me resisto… ¿Cómo encaja Sharin eso de que la consideren como ‘la mujer más bella del underground’?

Lo odia.

Y para completar, una de sus primeras canciones, esta ‘That Great Love Sound’, incluida en su segundo disco, ‘Chain Gang Of Love’, que publicó Sony en 2003. Los genes Jesus & Mary Chain son más que evidentes. A mi me encanta este dúo y este sonido. ¿Irás a verlo? Ya contarás.

Con Beck de por medio, imposible toparse con un álbum al uso de canción francesa. Y ello, aun trabajando con la hija de uno de los iconos de la idem, Jean Birkin, y poseyendo, como su madre y como la Hardy, ese tipo de voz confesional y susurrante.

Charlotte Gainsbourg, con apellido ilustre de la canción francesa, lleva desde los trece años metida en el mundo artístico. Su propia madre la impulsó a ello, llevándola a un casting cinematográfico, cuando tan solo tenía trece años, en 1984. Un año antes, con doce, había escandalizado a Francia, o por mejor decir, su padre, al grabar a dúo el single ‘L’incest’ y el correspondiente vídeo, donde ambos aparecían acostados juntos y donde el gran calavera galo dejaba caer controvertidas frases del tipo “l’amour que nous ne ferons jamais ensemble” (el amor que nunca haremos juntos). En 1986 editó su primer álbum, ‘Charlotte forever’ y hasta veinte años después no volvía a grabar un nuevo álbum propio, ‘5:55′.

Ahora tiene recién sacado del horno el tercero, un álbum titulado ‘IRM’, a tenor del ruido de las máquinas de resonancia nuclear que a Charlotte se le quedó metido en el cerebro tras sufrir un accidente de esquí. La canción que da título a este disco no deja de ser, por ello, la más dura o ruidosa. Y es que el tubo y el ruido-serrucho de las maquinitas dichosas son capaces de romperte las neuronas. De todas formas, va en consonancia con lo que ella quería: un disco osado, novedoso, aventurado… Y para ello, quién mejor que Beck… que es mucho Beck para amoldarse a lo convencional.

El autor de ‘Odelay’ no solo le ha escrito a la actriz-cantante francesa músicas y letras sino que le ha proporcionado unos arreglos singulares, novedosos, rebuscados, que lo mismo usan percusiones africanas que electrónica o violines. El conjunto es complejo, no duro, ni difícil, pero sí inusual, con canciones que cada una son un mundo en sí mismas, desde la mentada ‘IRM’ a la más dulce y hasta romántica, en la vieja tradición ye-yé francesa, como es la preciosa ‘In The End’, con los genes bien al descubierto de su madre, la sensual Jane Birkin. O esa pseudo glam ‘Dandelion’. O esta ‘Heaven Can’t Wait’, tirando al pop beatleniano del ‘Sg. Pepper’, ‘Heaven Can’t Wait’, con Beck también en la voz, en uno de los dos dúos vocales del álbum. Conexión franco-americana perfecta. El viernes pasado lo destaqué en el Muévete como ‘disco de la semana’.

¿Puede imaginarse a un patrono o a un empresario difundiendo y hasta casi celebrando una protesta o una huelga que le hagan sus propios trabajadores? No. Suena a surrealismo puro, si no a otra cosa más baja en el escalafón intelectual.

Pues algo así parece que ha hecho el Ayuntamiento de Zaragoza, en boca de una significada funcionaria de Cultura. Oigo la SER al medio día de hoy, 29 de enero, San Valero, patrón de la ciudad, y fiesta local. En la calle ya están sonando los primeros grupos de ese inaudito (y plausible) invento reivindicativo que es el Roscón Rock. El conocido locutor, Juanjo Hernández, el hombre de la voz perfecta (permítaseme, de paso, este pequeño piropo) pregunta a la funcionaria de Cultura, Carmen Blasco, los actos que quedaban todavía para la tarde festiva… Y como una bala, el primero que ha lanzado ha sido… ¡¡ el del Roscón Rock!!…

¿El Roscón Rock, un acto festivo? Sí, por supuesto, para la gente que pasea o acude a escuchar a los grupos, es posible. O seguro. Pero para el Ayuntamiento, en boca de una funcionaria, de Cultura, nunca puede serlo. Suena a perpleja contradicción. ¿Cómo vas a festejar los dardos que otros, precisamente, están lanzando contra ti? Porque es contra el Ayuntamiento, entre otras instituciones, a quien va destinada esta insólita manifestación callejera y musical.

Contra un ayuntamiento que, en efecto, algo ha movido la manivela para que la música suene con dignidad y estimule a los músicos (concurso Muévete, nuevos locales de ensayo en el Túnel del barrio Oliver, el futuro proyecto de la Azucarera…) pero que todavía sigue constriñendo la ilusión y el trabajo de los músicos, tanto profesionales como emergentes: trabas burocráticas en las licencias de las salas de conciertos, veto al uso gratuito de la red de los centros culturales para actuaciones de grupos nuevos, olvido de los grupos locales en las fiestas del Pilar, insuficiencia de infraestructuras musicales, desde locales de ensayo a escuelas de música, medios técnicos…

Contra quien puede y debe solventar estas carencias, es decir, contra el Ayuntamiento, sonaba la rabia de las guitarras eléctricas hoy en el paseo de la Independencia y diversas plazas. Pero la funcionaria de Cultura, Carmen Blasco, no se ha dado por aludida o no se ha enterado. Más bien al contrario: daba la sensación de haberse colocado una medalla por llevar el Ayuntamiento tanta música, tanta fiesta y tan buen rollo a la calle. O es un despiste lacerante o un cinismo de cemento armado. O un risorio contrasentido: aplaudir a quien te dispara. Inaceptable, en cualquier caso.

Da la sensación de que a veces, si no con frecuencia insistente, se produce una especie de confabulación planetaria para ‘encumbrar’ a un grupo absolutamente desconocido y de una inconsistencia patente. El New Musical Express sigue siendo el ‘rey sol’ desde el que dimanan los rayos que calientan las redacciones de las revistas musicales de medio mundo, que a la voz de ¡ya! se lanzan a proclamar y ensalzar las virtudes del elegido.

Desde The Strokes a Artic Monkeys, por ceñirnos a la década pasada, la lista de levedades, de bluffs, dicen algunos, es larga. La última atiende al nombre de Vampire Weekend, un cuarteto neoyorkino, nacido en la universidad de Columbia, con fama de pijotero y como salido de una revista de moda, sobre el que no hay publicación musical que venga derramando loas y estrellitas desde que publicaron su primer álbum homónimo en 2008.

Ahora, acaban de sacar el segundo, ‘Contra’, y de nuevo han empezado a tirarles pétalos. En algún lugar he llegado a leer que son los “salvadores del rock moderno”.  ¡Toma castaña! Personalmente, me aburren y me temo que estamos ante otro disparo de humo y vacuidad, de moda por la moda. Pero, bueno, ahí quedan sus sincopadas canciones, su aditamento pseudo africano en las percusiones, sus melodías quebradas (e insulsas), sus letras -dicen- que intelectualoides y su atildada juventud.

Dentro de unos años veremos donde están. Veremos si la ‘confabulación’ ha dado frutos y si han ’salvado’ al rock actual. Mucho me temo que será otro fugaz chispazo en el variopinto cielo pop, pero quién sabe… ¿Tú qué dices? ¿Es para tanto?

Aquí está ‘Cousins’, el primer single del nuevo álbum, muy significativo de su ideario sonoro

El próximo 2 de febrero se entregarán en el teatro Principal los Premios de la XI edición de la Música Aragonesa, que con tanto ahínco y dedicación organizan los responsables de la web Aragón Musical. Durante el mes de diciembre se realizaron las votaciones por Internet y, durante la primera quincena de este mes, un nutrido jurado, compuesto por más de 70 personas ligadas al mundo musical, ha elegido los ganadores absolutos de cada categoría, ganadores totalmente en secreto hasta el próximo día 2.

Hace poco, en este blog, un lector hacía mención a los premios y significaba ausencias notables como la de Bigott en el apartado de mejor solista, que copan David Civera, Ángel Petisme, Juan Caballero y Pecker, y por el contrario criticaba la presencia de grupos veteranos como Las Novias, Los Enfermos y Niños del Brasil en el apartado de mejores grupos, señal posible, según el lector mencionado, del ‘inmovilismo’ y de la escasa regeneración del panorama musical aragonés.

Puede resultar chocante, en efecto, como resulta chocante que Bunbury no aparezca en la sección de ‘mejor directo’, toda vez que durante el 2009 tuvo una notable actividad en los escenarios españoles y mexicanos. Seguramente que habrá más piezas que no encajen en este panel.

Pero probablemente todo se deba al sistema de votación, ni mejor ni peor, pero evidentemente tendente a generar este tipo de presencias o ausencias. No se olvide: es abierto y público vía Internet, lo que puede provocar votaciones repetidas (aunque eso parece que se controla al máximo), ‘movilizaciones’ a favor de un nombre determinado (como, de hecho, ha ocurrido a base de envíos masivos de correos informáticos) y sobre todo elecciones muy personales, más a tenor de gustos propios que de un conocimiento global del mapa musical aragonés. Desviaciones ‘de calidad’ que dirían los sociólogos y que obviamente conlleva cualquier sistema democrático.

Tampoco el jurado puede hacer mucho para paliar esas ausencias/presencias. Solo se le permite votar sobre los cuatro nombres elegidos previamente por los internautas, con lo cual cuando una ausencia es palpable nada puede hacer. Si acaso, enderezar algún palo demasiado torcido, pero poco más.

En cualquier caso, cualquiera que sean los elegidos con el sistema actual, implantado este año, por cierto, como nuevo al incorporar jurado, habrá que valorarlos en su justa medida: alguien ha depositado su confianza en ellos, han sido meritorios de la atención de un sector de público y algo positivo tendrán para estar ahí.

Y no se olvide que, al fin y a la postre, son premios, valiosos y reconocidos, pero no determinantes de la valía artística de cada cual. Incluso ni para los no nominados. El mundo del arte y del éxito luego va por el cauce personal que cada cual se labra.

Eso sí, el premio de honor, que este año ha recaído en Pedro Vizcaíno: indiscutible. En la web   http://www.premiosdelamusicaragonesa.com/xi-premios-de-la-musica-aragonesa-los-candidatos/ puede consultarse la tabla de los cuatro nominados por categoría. ¿Qué ausencias/presencias polémicas detectas?

Traigo en esta entrada una colección de seductoras canciones, de canciones serenas y balsámicas, nocturnas, como hoy las calificaba en la página de discos del Muévete donde he seleccionado como disco de la semana el segundo de Hope Sandoval con su grupo The Warm Inventions, y en el que está este puñado de amorosas y a la vez misteriosas canciones. El disco se llama ‘Through The Devil Softly’ y ha sido editado en España por Discmedi.

Hope Sandoval viene del indie-pop de los noventa, del ‘ruidismo’ comedido y algo psicodélico, onírico, que facturó su grupo Mazzy Star. Pero curiosamente su voz nunca hizo ruido, fue un bello soplo de dulzura en medio de las guitarras fuzzy, saturadas, de su colega David Roback. Algo, lo de chica tierna/guitarras reverberadas, que casi fue un género en sí mismo dentro del indie rock de los noventa (Veruca Salt, Yo la Tengo, Madder Rose, Bettie Serveert…)

Ella, Hope Sandoval, sigue derramando encanto vocal, haciendo canciones delicadísimas, casi pop de cámara. Recomendabilísima su discografía con Mazzy Star, sus colaboraciones con gente como Massive Attack, y, por supuesto, los dos discos junto a  The Warm Inventions (que en realidad no es un grupo sino ella misma más el ex batería de My Bloody Valentine, Colm O’Ciosoig): el lejano ‘Bavarian Fruit Bread’ (2001) y este nuevo, en el que está ‘Trouble’ una especie de romántico vals que suena así de bien:

Ya se sabe: medio centenar de grupos aproximadamente tocando a lo largo del paseo de la Independencia, en ambas aceras, y en diversas plazas durante todo el día de la fiesta del patrón San Valero, el día 29 próximo. El Roscón Rock. La idea más inaudita y original surgida en el mundo musical, no solo de Zaragoza sino de fuera. Uno, al menos, no tiene constancia de algo similar en ciudad alguna. Básicamente, porque, además de la componente musical, el Roscón lleva dentro, no sorpresa, sino algo esencial: un corazón reivindicativo bien claro y conocido.

Ese fue el espíritu con que nació hace ya seis años, en 2005, del ingenio y de la fuerza agitadora de un grupo de gente comandado por Luis Wasabi, ‘activista’ musical al que también se debe la pelea anti derribo del Rincón de Goya y del que pronto, shssss, si todo encaja, recibiremos nuevas noticias sobre proyectos más que interesantes.

La edición de este año ya está casi al completo, en cuanto a grupos participantes. Algunos de ellos: Cuarto Traste, Fase Final, Vivir por algo más, Levit, Pablo Eneses, Radio Vintage, Huracán Virgilio, Bajo la escalera, 40 Grados, Wasabi, Sendas cruzadas, Devoraos, Proyecto B, Tocado y Hundido, Oídos Sordos… toda la lista está detallada en www.rosconrock.com. Según comunicaba la organización ayer martes, 19, aún queda alguna plaza libre: una para la tarde y nueve para la mañana.

El espíritu del Roscon Rock es, según se recuerda en la web citada, “hacernos oír, que se sepa lo que hay en Zaragoza, que hay una inquietud musical y que no se nos esta haciendo caso. Que existe una falta de apoyo por parte de las instituciones y medios de comunicación, obsesionados por la rentabilidad, y cuyas políticas de difusión de la cultura local, creemos son insuficientes. Que no hay recintos habilitados ni para ensayar, ni hay una sala decente de aforo medio para poder tocar, que cada bolo que damos en Zaragoza suelen ser casi clandestinos porque los locales no tienen licencia. Que en otras localidades los ayuntamientos tienen locales de ensayo a bajo precio, salas para dar conciertos, etc. Que estamos a años luz de otras ciudades”.

O sea, espíritu revindicativo bien claro, por lo que me permito hacer una pequeña y no menos, creo, importante observación. A mi entender, ese espíritu se diluye bastante en la práctica cuando el ayuntamiento se apodera de la idea y hasta lo incluye en el programa oficial del día, como si de un acto más se tratara, al modo de la misa o del reparto del roscón en la plaza del Pilar. He visto por ahí incluso la palabra ‘festival’. Y no.

Será un acto más, dulce y lúdico, y hasta un festival de mucho fuste cuando se hayan atendido y cubierto muchas de las reivindicaciones que los jóvenes músicos solicitan, y por supuesto cobrando sus emolumentos y tocando ese día en buenas condiciones infraestructurales, no sobre una manta. Cuando la situación esté consolidada profesionalmente.

Mientras tanto, la revuelta rosconera seguirá latiendo como señal de la existencia de esos grupos, no solo durante un día sino durante los 365 del año. Pero eso, ya digo, no queda muy claro durante la celebración. La gente más despistada se acerca a las mantas curioseando y pensando ‘qué majo el ayuntamiento, que nos pone música gratis en la calle’. No y no.

Esa música es gratis pero lleva metralla concienzadora y sale de los mismos músicos, no del ayuntamiento, que en todo caso ‘permite’ y facilita la movida. Por ello, sugiero que no solo se toque, sino que en cada manta figure una pancarta o similar, pero algo bien visible, en la que se signifique claramente el porqué de estar tocando en la calle bajo el frío y seguramente en día de ’sanvalero ventolero’, que dice el refrán. Para evitar despistes y circunloquios.

Traigo a esta sección una canción de las que martillean el cerebro de inmediato y se te quedan para siempre. A mí, al menos, me ocurrió en la Zaragoza de los primeros setenta, nada más oír en las sinfonolas de la ciudad -no recuerdo en qué bar exactamente porque estaba por todos lados- ‘Spirit In The Sky, del norteamericano Norman Greenbaum.

Un ’songwriter’ que duró muy poco y del que se puede decir que ejemplifica eso que los anglosajones denominan ‘one hit wonder’, o éxito de un día. La canción estaba incluida en su primer álbum, que le daba título, y aunque aún grabaría tres más, ninguno trascendió, menos en España donde ya no se supo más de él. De hecho, se retiró muy pronto a una granja donde todavía vive, dedicándose a ella y a organizar conciertos.

El ritmo era pegajoso pero más se quedaba la guitarra fuzz, con ese sonido chicharra que le metió, así como los dibujitos de guitarra evanescente y el corito gospel femenino que acompañaba y que tenía su explicación por el contenido religioso de la letra: “When I die and they lay me to rest / Gonna go to the place that’s the best / When I lay me down to die / Goin’ up to the spirit in the sky” . Aparentemente fervorosa, pero en cierto modo una sátira sobre la creencia cristiana en el más allá. De hecho, Norman, de religión judía, se inspiró en una pareja de telepredicadores católicos para escribirla. La maldad, aseguraron los ultra ortodoxos,  fue castigada por el mismo Jesús, al que no le gustó la chanza ni las veces que le nombraba en la pieza, con el ostracismo del cantante.

Anécdotas e historias pintorescas al margen, lo cierto es que fue un verdadero hit, un single que yo guardo todavía con mucho mimo, dado el impacto que me produjo en la primera escucha. La canción ha sido posteriormente versionada por un montón de gente, Bauhaus, incluidos, y ha sonado en decenas de anuncios televisivos y bandas sonoras, por lo que seguro que prácticamente la conoceréis todos, pero he querido recordarla hoy en el blog. No he encontrado en youtube una versión potable, así que he subido esta versión que tengo con imágenes de ballet, que, aparte de la curiosidad del baile, tiene buen sonido. Lo que no sé es lo que durará en youtube porque parece que hay problemas de derechos. Una canción religiosa pero sonando casi a glam. ¿La conocías?

Vivimos en tiempos estúpidos. Y no lo digo solo por la ‘tele-basura’, el analfabetismo funcional de media sociedad, los personajillos que copan las revistas…, sino por el absurdo caudillaje que se practica en muchos ámbitos de la vida, no digamos en el musical. En política, un señor cualquiera de León o Valladolid gana todas las elecciones necesarias y llega a presidente: todo quisqui de su partido hinca la rodilla. Lo que diga es dogma. En la empresa, el jefe es el olimpo mismo. Inalcanzable. En el mundo del deporte, la súper estrella camina como  un dios terrenal…

La música no solo no está exenta de este caudillaje sino que es seguramente el terreno donde ese caudillaje se amplifica hasta extremos fundamentalistas. Los fans, en muchos casos, vienen a comportarse como verdaderos talibanes, sin el más mínimo espíritu crítico, con un entreguismo a la causa que cae en el vasallaje. Y perdón si me repito. En otra entrada de este blog ya hice mención a ello. Pero sigo sin entenderlo.

En la entrada anterior a esta se ha repetido en varias ocasiones que Bunbury ha llegado a un punto que “puede hacer lo que realmente le dé la gana”. Tremendo. Vasallaje ciego de fan, pero un sinsentido absoluto. Por supuesto que él, o cualquier ídolo, puede hacer lo que le dé la realísima gana en lo personal y en lo artístico. Allá él. Y lícito y legítimo es. Pero eso no puede significar nunca que, en lo artístico, sus seguidores deben ponerle el semáforo en verde continuamente. Precisamente, el fan es quien más exigente se debe mostrar con su ídolo. No puede valerle todo, de lo contrario, brota el hooliganismo.

¿Es comprensible este mismo aforismo, esta misma actitud, pongamos por caso, en el fútbol? Messi ganó el pasado año todo lo habido y por haber. ¿Eso le da licencia para hacer lo que le dé la gana, es decir, saltar al campo y dedicarse a hacer monadas o regates de patio de colegio, cuando no a vaguear? Por supuesto que sí, pero el público, que ayer le aclamaba, hoy no se lo perdonaría. Por mucho ídolo que fuese y por muchos campeonatos y premios que haya ganado. El ejemplo, siguiendo en el terreno del fútbol, ha ocurrido y es palmario: Ronaldiño cayó en ese terreno del ‘hago-lo-que-me-da-la-gana’, y el público lo mandó a galeras.

Los artistas están obligados a ofrecer más cada vez que dan un paso. O cuando menos, intentarlo y el público exigírselo. Si los Beatles, se hubieran dedicado a hacer lo que se les pasase por la entrepierna, porque ya habían grabado ‘Help’ y habían conquistado el olimpo, pues nunca hubiéramos tenido un ‘Revolver’, un ‘Pepper’ o un ‘Doble Blanco’. Y lo mismo, Lou Reed por haber hecho un disco sacrosanto, como el primero con la Velvet, no hubiéramos tenido después un ‘Berlin’ o un ‘New York’. No digamos si a Dylan le dar por entrar en fase ‘todo vale’ tras su etapa mercurial. En vez de ‘Blood On The Tracks’, ‘Oh Mercy’ o ‘Time Out Mind’ tendríamos toda una colección de truños.

No, un artista demuestra que es un verdadero artista cuando su nivel de auto exigencia se dispara disco tras disco, concierto tras concierto. Recurrir a melodías facilonas, versiones de baja calidad, sesteos, escaqueos y demás pasarelas para caer en la bagatela es suicidarse artísticamente. La historia del pop está llena de famosos ahorcamientos. Así lo debieran entender ellos, los ídolos, y más aún sus fans, devotos y admiradores, pero no vasallos de todas sus ocurrencias, gentes de garganta ancha que, con su laxa actitud, matan su propio espíritu crítico y, lo que es peor, a su mismo ídolo.

El próximo sábado, Bunbury estrena el primer single de ‘Las consecuencias’, su nuevo álbum, previsto para febrero. El single, agarrarse bien al sillón, es ¡una versión de una canción de Jeanette!, una canción publicada en 1981, dentro del álbum ‘Corazón de poeta’. Me lo cuentan en una barra de bar y me parecerá un gran chiste, lo sueño y será, eso, un sueño estrambótico. Pero no, es la pura realidad. ¡Bunbury versionando a Jeanette! Insólito…, o quizá, Bunbury en estado puro: desconcertante, atrevido, exótico, raro, friki…, lo que se quiera.

¿Y quién es Jeanette?, preguntarán los más jóvenes o menos informados. Pues dicho rápidamente: un icono adolescente de la España de los sesenta. Su canción ‘Cállate niña’, con Pic-Nic, con una dulce melodía, adobada con el castellano guiri de la cantante, los preciosos arreglos de Jordi Sabatés y Toti Soler, ambos en Pic-Nic, vaya lujo, así como una letra letalmente triste sobre una madre muerta que consuela a su hija desde el cielo, fue un exitazo en 1967. Tras un LP y tres singles, el grupo se disolvió y Jeanette emprendió carrera en solitario.

La he entrevistado en varias ocasiones, he comido y cenado con ella y su marido Laszlo, y en la distancia corta es un encanto, como sus canciones, pero, según ella dice, se gasta un genio de perros, nada que ver con la dulce estampa de su canciones. En la entrevista que adjunto, realizada en verano de 1981, recordaba aquellos años de Pic-Nic, pero sobre todo, se centraba en el album ‘Corazón de poeta’, que acababa de lanzar con RCA conteniendo canciones exclusivamente de Manuel Alejandro -por cierto, el gran abastecedor compositivo de Raphael-, entre ellas la mentada ‘Frente a frente’, que hizo de primer single. Jeanette decía de ella: “… hay cosas muy actuales como por ejemplo el texto de ‘Frente a frente’, el tema del single, que toca una cuestión tan candente como es la del divorcio”. Una balada muy pegajosa y muy apropiada al estilo Jeanette, con violines incluidos. La puedes escuchar en el yuotube de abajo junto a ‘Corazón de poeta’.

¿Cómo la habrá afrontado Bunbury? Si ha dicho que ‘Las consecuencias’ es un disco ‘down’ y ‘Frente a frente’ es una afligida balada, ¿será un disco de abatimiento, introspectivo? Un disco, parafraseando otra de las canciones más conocidas de Jeanette, ‘Estoy triste’, para caer en la depre… Ya se verá, pero lo que menos me podía imaginar es a Bunbury cantando canciones de esta tierna barcelonesa de sangre canaria, nacida en Londres y con nueve años de estancia en Los Ángeles.

Por cierto, Jeanette, que yo sepa, grabó su último álbum de estudio, ‘Loca por la música’, en 1989, con el sello de Paco Martín, Twins. Luego, estuvo durante bastante tiempo enrolada en la gira ‘Mágicos 60′ con Micky, Karina, Lorenzo Santamaría y Tony Ronald. Durante mucho tiempo regentó con su hija también una tienda de ropa. Estaba retirada, o al menos no se la oía en los últimos años.

Bunbury la ha recuperado no solo musicalmente sino también visualmente, pues aparece en el vídeo que también se estrenará coincidiendo con el single. Bunbury y Jeanette, ‘frente a frente’… Inimaginable. Ni en una pesadilla, me lo hubiera creído.

COMENTARIO AÑADIDO EL DÍA 15, VIERNES,  A LAS 13:41 HORAS

Pego la canción en esta entrada. En principio, algo de decoordinación parece que hay entre discográfica y productora o web del artista. El comunicado oficial del ESTRENO, hecho público con todo boato por la agencia de comunicación de Bunbury, Prado, señalaba el día 16, o sea, mañana, a partir de las 12 horas en España, en la misma web de Bunbury. Sin embargo, EMI la ha colgado hoy en Youtube…
Personalmente me parece una moñada de tomo y lomo, impropia de un artista arriesgado y renovador como Enrique. La canción no solo no aporta nada a la original de Jeanette, si acaso las notas finales, algo imperdonable en Bunbury, sino que la misma versión de Jeanette le da al menos ese aire naïf que va con su estilo, pero no con un ‘rockero’, como él se define.
Miren Iza tampoco está a la altura de Jeanette, porque para voz ingenua y adolescente la de la misma Jeanette, que ya marcó escuela.
Pero lo peor es que Bunbury enfila la ruta del baladismo setentero más comercial hecho en este país, en línea con los Perales, Dyangos, Vélez… todo aquello que tanto detestamos en su momento. Impropio. La próxima versión, a este paso,¿de Pimpinela?…
Como impropio es que Bunbury salga, como adelanto del álbum, con una versión a lo Perales, o de Manuel Alejandro, que para el caso es lo mismo, compositor pastelero de la España casposa (desde Raphael a Julio Iglesias, El Puma,Emmanuel, Lolita, la Pantoja, Luis Miguel…, la nómina almibarada es abundante).
Confiemos en que el resto del disco se aparte de esta castaña merengada, inaceptable en un artista como Bunbury.
Y siento opinar así, pero es lo que pienso. Ya me hubiera gustado escuchar algo de fuste, original y menos trillado que esto y haber podido sacar el botafumeiro. Pero no es así. Bunbury, de ‘nuevo Perales’, al menos por ahora, como que no. Sed benévolos al dispararme…

Hace unas semanas, nuestro buen amigo y bloguero, Ricardo Gil, dejó aquí unas brillantes, por no decir apabullantes, líneas sobre las remasterizaciones de los Beatles, analizando y dando consejo sobre qué hacer ante tremenda avalancha de reediciones. Curiosamente se trataban de una pildorita en relación con el potente complejo vitamínico que ha insertado en el último número del The Beatles’ Garden: diez páginas llenas de sabiduría beatleniana y un esfuerzo titánico de oído y de paciencia para analizar las celebradas remasterizaciones.

Ricardo, se nota de manera inmediata, se ha ‘merendado’ las dos cajas, la mono y la estéreo, disco a disco, para obtener conclusiones rigurosas y absolutamente fiables, no en vano es uno de los dos o tres expertos beatlenianos más notables de España. Un trabajo ímprobo, y ahí viene la segunda parte: la plusvalía de este trabajo, que no solo destila sabiduría y análisis riguroso, sino que -como corresponde a un experto de corazón- transmite también emoción y gozo, una invitación latente en todo momento a volver a colocar en el tocadiscos cualquiera de los discos de los de Liverpool, si no toda ella. Gracias y enhorabuena Ricardo. Es un placer y un honor tenerte por aquí, tan cerca.

Para quienes no lo conozcan, The Beatles’ Garden es un milagro impreso sobre la vida de Los Beatles, el fanzine español por excelencia sobre el cuarteto, que además se edita en Zaragoza, bajo la mano fundadora y rectora de otros dos beatlenianos de pro, Juan Agüeras y Javier Tarazona. Precisamente, este último incluye en el número que acaba de salir, en el que Ricardo hace esa apabullante disección de las remasterizaciones, otro antológico artículo sobre la casa donde vivió John Lennon en su infancia, en 251 Menlove Avenue.

Por supuesto, en el número, que hace el 56, se incluyen muchas más informaciones más y anécdotas sobre el mundo Beatles. Una verdadera biblia, que a lo largo de este medio centenar de números mantiene en vilo a los amantes del cuarteto, e incluso a los que no lo son. Diecisiete años de vida, desde el 93, que son, eso, un verdadero e impagable milagro editorial.

Por si alguien está interesado en el fanzine, puede ponerse en contacto con sus responsables a través del apartado de correos 7.250, 50080 Zaragoza, o vía email, sgtbeatles@wanadoo.es. Lástima que la web ande caída y yo con el escáner fuera de servicio para no poder insertar la portada de este último número y alguno más (¿alguien podría enviarme alguna foto para adjuntarla de inmediato al texto? Ya sabe: muribe@heraldo.es).

Antes, mucho antes, de toda la fiebre africanista que se generó en los noventa, y que sigue viva, a través especialmente de los denominados festivales de ‘world music’,  hubo un grupo en los setenta que fue pionero en la fusión de rock, jazz y música africana. Ese grupo fue Osibisa.

Una amalgama de siete músicos (cuatro africanos de Ghana y Nigeria y tres antillanos), liderados por el saxofonista, flautista, cantante y percusionista ghanés Teddy Osei, que alcanzó un tremendo éxito en Inglaterra e incluso en España, a donde también llegaron las maravillas de su segundo álbum, este “Woyaya” (1971), pleno de ritmo, hallazgos sonoros, metales, flautas, percusiones, guitarras candentes, cantos tribales, mensajes de hermandad y mucha energía corporal, así como efectos guturales y atmosféricos (el de la tormenta introductoria de “Beautiful Seven” era total).

Nadie hasta ese momento, salvo Fela Kuti y Ginger Baker y su Air Force, había logrado fundir de forma tan cálida e ingeniosa rock, jazz, soul y música africana. Y lamentablemente, nadie, ni festival actual alguno ni periodista musical especializado en ‘world music’, que uno sepa, los ha reivindicado en la medida que se merecen, por su papel de pioneros y por su vibrante sonido, que no solo emocionó en los tocadiscos caseros sino que se convirtió en todo un fenómeno discotequero en medio mundo, España incluida (personalmente, los tenía siempre como reclamo infalible para llenar la pista en mis tiempos de disc-jockey).

La apertura del disco, con la mentada y magistral ‘Beautiful Seven’, con la tormenta y la suave entrada en ambiente a través del bucolismo de la flauta y las percusiones iba poco a poco subiendo de intensidad, dando paso a las voces invocadoras a la felicidad y el ’speech’ de Teddi Ossei anunciando que traían a Occidente el espíritu de sus ancestros y su amor, hasta desembocar en una improvisación de órgano y percusiones adobado con gritos de la selva y estallar finalmente en una tromba de ritmo.

La antesala perfecta a la vibrante ‘Y Sharp’, todo un perfecto ejercicio de sincronización rítmica entre metales y percusiones… No voy a ‘contar’ el disco, solo decir que después de estas dos piezas iniciales quedan otras cinco más que harán las delicias de quienes gocen con el ritmo y la sensibilidad africana. La portada, por otra parte, obra del gran diseñador Roger Dean, sí, el de Yes,  era otra plusvalía añadida al disco.

También una recomendación: si no se conoce a Osibisa, mejor escucharse este disco al completo antes que cualquier otro LP suyo o recopilación alguna. Aquí está, al menos para mí, la crema del grupo africano-antillano. Todo cuanto podía decir y dijo en la música de los primeros setenta. Cualquier otro puede desvirtuarlo. Ah, y todavía siguen en activo, con Osei al frente. No estaría mal que algún festival ‘étnico’ o no ‘étnico’ se acordara de ellos.

Vivir en la utopía es una quimera, pero a la vez, dijo un gran escritor, el principio de todo progreso y el diseño de un porvenir mejor. A sabiendas de que seguiré muchos años flotando en esa nube utópica, he mandado mi carta a los Reyes para esta noche y para el 2010, por si algo cae… Me dejo (u olvido) más cosas, por no abusar, pero esto es lo que les he pedido:

-Inspiración, mucha inspiración, creativa para que tanto artistas nuevos como veteranos den a luz discos con fuste y perdurables, de los que hacen historia y no duren más que un soplo. O sea, buenos discos.

-Ojalá aparezca un rayo milagroso en el cielo que se cargue el oprobioso, indiscriminado e injusto canon digital. Una cosa es la piratería (un robo) y otra este opulento impuesto revolucionario.

-A ver si la Tele-Oliart, sin anuncios, le quedan ahora unos minutos libres y un poco de dinero para sacar adelante un verdadero programa musical, al modo Días de Cine, por ejemplo, y sin exigir demasiado.

-Siguiendo con la tele, ¿y si TV Aragón crea, definitivamente, un programa musical serio donde se difunda y apoye la música de aquí y la de fuera? Ah, y de camino elimina esas rancias y trilladas series americanas, ofensivas para una tele autonómica.

-Apoyo a las salas y a los grupos nuevos, no en forma de subvención, pero sí en facilidad para licencias, infraestructura y conciertos.

-Aun en crisis, a ver si la oficialidad piensa en la Ciudad de la Música… Si construyen auditorios faraónicos, palacios de congresos con goteras, magnos estadios de fútbol para equipos de segunda división, ¿por qué no un gran centro para la música pop?

-Que los ayuntamientos dejen de ’subvencionar’ medianías por obligación de llenar el cartel de las fiestas patronales, vamos que dejen de contratar artistas que solo viven de eso. Si son buenos y tienen interés artístico, que se monten sus giras particulares y se ganen el pan por sí mismos. Los de la Ceja y los protestones ante el Ministerio de Industria, los primeros.

-Que Internet siga siendo la plataforma libre que es todavía, sin cortapisas ni policías culturales.

-Que las revistas musicales bajen el peso de su snobismo musical y valoren y calibren la calidad verdadera de lo que ‘venden’. El marchamo de joven y actual no es un valor absoluto ni determinante, sino un simple accidente que se cura en poco tiempo.

-Que la gente llene sus Ipods con música seleccionada y con criterio, no a peso.

-Que las descargas sean un medio para conocer música, pero no un fin en sí mismo, es decir, que el personal compre discos, coñe, que es de lo más bonito y fascinante que tiene la música.

-Que desaparezca el CD y vuelva el vinilo (perfeccionado), jejeje. Una buena forma de cargarse la piratería, señores de las discográficas. Ustedes crearon el monstruo que les ha devorado.

-Que cojan vacaciones eternas Bosé, Alejandro Sanz y toda la cuadrilla tabarrera de las teles y las radio-fórmulas.

-Que las fiestas del Pilar cambien de rostro musical de una vez, combinando calidad y comercialidad.

-Que vengan estrellas a Zaragoza, pero no a cualquier precio y menos de segunda fila.

-Que desaparezca de una vez la Feria de Muestras como recinto de actuaciones musicales.

-Que vuelvan (¡glup!) los Héroes, pero con disco, no a hacer caja.

-Y, finalmente, mucho carbón para la SGAE, la ministra de Cultura y ZP.